Werkbeschreibung
Robert Schumann: Cellokonzert a-Moll, op. 129
Als Robert Schumann im Herbst 1850 als neuer Städtischer Musikdirektor nach Düsseldorf zog, empfand er den Wechsel an den Rhein zunächst als beflügelnden Neuanfang. In einem wahren Schaffensrausch brachte er innerhalb von nur zwei Wochen ein Werk zu Papier, das er selbst bescheiden als Concertstück für Cello mit Begleitung des Orchesters bezeichnete. Es sollte zu einem der bedeutendsten und innigsten Solokonzerte der gesamten Romantik werden – auch wenn Schumann selbst die Uraufführung seines Cellokonzerts op. 129 nicht mehr erleben durfte. Das Werk bricht radikal mit der traditionellen Form des Virtuosenkonzerts, bei dem das Orchester oft zur reinen Begleitung degradiert wird. Schumann komponierte stattdessen ein tief symphonisches, kammermusikalisches Zwiegespräch. Um den organischen Fluss der Musik nicht zu unterbrechen, gehen die drei Sätze pausenlos ineinander über.
Der erste Satz (Nicht zu schnell) verzichtet auf die damals übliche lange Orchestereinleitung. Nach drei leisen Bläserakkorden stimmt das Violoncello sofort ein schwermütiges, weit geschwungenes Hauptthema an. Die Musik bewegt sich im ständigen, typisch schumannschen Wechselbad zwischen lyrischer Introvertiertheit und leidenschaftlichen Ausbrüchen.
Der langsame Mittelsatz (Langsam) verweilt in einem zarten F-Dur und gilt als das emotionale Herzstück des Konzerts. Das Solocello singt hier eine melancholische, intime Romanze. Ein besonderer Moment der Poesie ist das Duett mit einem Solocello aus dem Orchester, bevor eine chromatisch absteigende Überleitung die düsteren Erinnerungen des Beginns heraufbeschwört.
Das Finale (Sehr lebhaft) bricht die träumerische Stimmung mit rhythmischer Energie und spielerischem Witz. Das Cello entfaltet hier seine ganze Virtuosität, bleibt aber stets im Dialog mit dem Orchester. Ungewöhnlich für die Epoche ist die Solokadenz kurz vor Schluss: Sie ist nicht improvisiert, sondern von Schumann präzise auskomponiert und wird vom Orchester dezent begleitet, bevor das Werk in einer glanzvollen, befreienden A-Dur-Coda strahlend ausklingt.
Franz Schubert: «Messe As-Dur»
Wie religiös war Franz Schubert? Man könnte antworten: Lasst das Fragen und lieber seine Musik sprechen! Doch die biografischen Künstler-Details waren schon für viele Interpreten zu verlockend – eben aufgrund ihrer Widersprüchlichkeit. Manche Überlieferung lässt darauf schließen, dass er sich kaum zur kirchlichen Form des Glaubens bekennen mochte. Folgendes Zitat aus einem Brief an seine Eltern – geschrieben ein paar Jahre vor der Messe in Es – lässt aufhorchen: Auch wunderte man sich sehr über meine Frömmigkeit, die ich in einer Hymne an die heil. Jungfrau ausgedrückt habe, und wie es scheint, alle Gemüther ergreift und zur Andacht stimmt. Ich glaube, das kommt daher, weil ich mich zur Andacht nicht forcire, und, außer wenn ich von ihr unwillkürlich übermannt werde, nie dergleichen Hymnen oder Gebete componiere, dann aber ist sie auch gewöhnlich die rechte und wahre Andacht.
Entstehung und Bedeutung
Franz Schuberts Messe in As-Dur gilt gemeinsam mit der späteren Es-Dur-Messe als der absolute Höhepunkt seines kirchenmusikalischen Schaffens. Kein anderes Werk dieser Gattung beschäftigte den Komponisten über einen so langen Zeitraum: Zwischen dem ersten genährten Geniestreich im November 1819 und der endgültigen Fertigstellung nach intensiven Revisionen im Jahr 1826 vergingen fast sieben Jahre. Schubert komponierte die Messe ohne äußeren Auftrag. Er folgte einem inneren, künstlerischen Drang und schrieb an seinen Freund Josef von Spaun, er strebe darin nach dem „Höchsten in der Kunst“.
Musikalische Charakteristik
Musikalisch bricht Schubert hier endgültig mit den starren Traditionen der klassischen Festmesse. Das Werk entfaltet eine sinfonische Dichte und einen emotionalen Tiefgang, der weit über die rein liturgische Funktion hinausgeht. Markant ist Schuberteigener Umgang mit dem Messtext: Wie so oft strich er auch hier die Passage unam sanctam catholicam et apostolicam Ecclesiam (die eine, heilige, katholische und apostolische Kirche) aus dem Credo – ein starkes Indiz für seine zutiefst persönliche, dogmenfreie Religiosität.
Die Sätze im Überblick
• Kyrie (Andante con moto): Ein feierlicher, fast schwebender Einstieg. Der Satz lebt von einer innigen Textausdeutung und einer fliessenden orchestralen Begleitung.
• Gloria (Allegro maestoso): Ein prachtvoller, dynamischer Lobpreis. Schubert überrascht hier mit kühnen harmonischen Rückungen – insbesondere dem plötzlichen, strahlenden Wechsel von As-Dur nach E-Dur.
• Credo (Allegro moderato): Das Herzstück der Messe besticht durch einen kraftvollen, deklamatorischen Chorsatz, der im feierlich-mystischen Et incarnatus est und dem chromatisch schmerzhaften Crucifixus seine emotionalen Fixpunkte findet.
• Sanctus (Andante): Beginnt überraschend im feierlich-gedämpften F-Dur, bevor es in ein monumentales, kontrapunktisch dichtes „Osanna“ mündet.
• Benedictus (Andante con moto): Ein intimes, kammermusikalisches Juwel, das vor allem durch das feine Zusammenspiel der Solostimmen und der Holzbläser getragen wird.
• Agnus Dei (Adagio): Der friedvolle Ausklang der Messe. Die Bitte um Frieden Dona nobis pacem verklingt nicht im triumphalen Jubel, sondern in einer berührenden, zutiefst menschlichen Bitte um Trost und Ruhe.
